將哲思整合進水脈之流，漫延文化記憶的浪潮 — 國美館藝術商店空間設計師 CPD Interiors 王偉丞談藝術展館的新零售風貌，打造民眾三不五時就想逛的美術館商店

 
 
 

國立台灣美術館是全台最早的美術館，自1988年開館以來，一直是培養台灣美學文化的重要搖籃。館內展出作品，大多出自台灣藝術史經典人物之作，然而也因此年輕群眾的佔比相對較低。本次國美館藝術商店的改裝計畫，除了希望重新整建修復空間，館方也期待改裝後的新面貌，能為這裡再次增添活力與光采，迎來不同年齡層的訪客群眾，尤其是更多年輕人，起身踏進這處曾孕育無數藝術夢想的所在。

 
 
 
 

談起國美館藝術商店的改造，時序先倒帶一段。當時從事美術館商店經營的業主，在社群看見 CPD Interiors 的設計後進行聯繫。常將藝術畫作或雕塑融入空間，發展性質偏向純美術類型的 CPD Interiors，與業主初次碰面，即因共有熱愛藝術的心情而相談甚歡，雙方一拍即合，促成後續的提案合作與企劃執行。

CPD Interiors 的介入，彷如為古典幽靜的國美館引進一道新生清流。團隊以「水脈 Waterway」作為公共零售空間的改建命題，藉由川流的的意象，詮釋未來場域的線條及主軸型態。川流連結內陸與大海，象徵著「過程」，而這間美術館裡發生的所有事情，會對應、連結到各個時代的群眾記憶，這是連續性且不間斷的動態過程，經由時間的醞釀與等待，逐漸構成自身演進的脈絡，開展出島嶼世代與世代，多元族群間的遇見、交流、碰撞與融合。

透過主理人王偉丞的深度分享，我們一探 CPD 團隊在這個涵藏歷史精華和人文意義的舊時代場域，是如何跳脫窠臼，翻轉形式與機能的變革，構建與民眾更親近，兼顧藝文特性與商業的現代空間。
 
 
 
 
 
 

像在逛另一場藝術展覽


商業與藝術調性之間的權衡，始終是門學問，稍不小心就會偏了方寸；過於高冷固然無法吸引人群，高度零售可能又顯得市儈。王偉丞選擇一條本質之路。他明確定義空間將延續美術館的策展形式，「作為美術館內部的商店，美術館的定調才會影響店空間，並不會反客為主。所以我們不希望展覽的性質到了這邊，轉變成單純的商店。」

他觀察到以往美術館商店大多以純零售角度出發，如果想突破既有客層，勢必得做出一些改變。因而提出新建的空間，包含設計呈現、動線規劃、業者的商品營運，皆帶入展覽策劃相關的思維，同時增加不同形態功能的可能性：如展演、教學活動、舉辦講座，還有咖啡輕食的複合型經營模式，利用沉浸式的體驗整合所有機能佈局。人進到這裡，節奏相對緩慢，形同遊逛另一個常設展，只是現場展出物品是可被銷售的，藉以對外產生更多連結與活化的力量。
 
 
 
 

用當代審美介入時代記憶


「形式與功能一體兩面，不可分割。」王偉丞引述美國建築家法蘭克·洛伊·萊特的話。定義空間機能後，相對應的表現形式隨之浮現。在形式上他主要分為兩點考量：其一是必須符合當代審美學，也就是年輕人看得懂的美學；第二件事則是「文化特點」。

時下的年輕潮流，走向普遍強調「快時尚」和「淺文化」的大眾趨勢，視覺符號必須清晰明瞭，能被快速解讀，所以內部整體以符合當代視覺美感的白灰色系為主。而淺色調的空間，亦與周圍環境稍微脫離，格外襯托它的特別存在。
 
 
 
 
 
 

「文化是我私心覺得很重要的一點。操作設計項目時，我們會探討舊有的文化脈絡為何，進入新時代的展望會是什麼？」王偉丞解釋現地的商店位置，正好位居早期國美館的入口處，小時候和長輩到國美館，都是經由這裡進去，後來才因使用上的改變，館方把入口移到現在的所在地。外面的板岩磚材質，更是自外部延續到內裡的主體、地面、牆壁，「這樣的企圖很明顯，當年的設計者希望把外觀入口的質感，包覆到拱門以內的接待區，讓室內外界線在建築操作上是模糊的。」象徵過往風華的圓形拱門，具備一定的時代意義與共有的文化記憶性，「所以我們不希望去修改舊時代的企圖，也不破壞原有結構，而是與之共存，把時間的痕跡保留下來。身為介入的新生代，設計必須獨樹一格，並維持禮貌性的致敬，明顯體現出我們就是後續的新進者。」

 
 

原本圓拱的玻璃帷幕上貼了許多輸出，玻璃也很髒很舊，王偉丞認為應要打開這個通道，故把玻璃帷幕重新做清洗，舊輸出、廣告資訊一概撤除，保留視覺的通透性

 
 
比起強勢顛覆，他們置入較為軟性，有別於原始垂直水平空間的曲線形式聊表敬意。這些蜿蜒的量體宛如從外部流動進來，在空間暫時停留。於此同時，為了呼應原始的文化符碼，運用長條狀的半光型燈管排列成一個圓拱。當泛光型的圓管燈啟動時，不僅充斥日照般溫煦明亮的感官效果，還透過不同的元素傳遞視覺上的延伸，表達模糊室內外界線的相同企圖。

不同於一般商店使用投射燈，空間全部是間接照明或較為全局式的照明來解決照明需求，未來若營業時間拉長到晚上，民眾一樣可以感覺跟白天一樣舒適的沈浸式照明

 
 
 
 
形塑機能動線與變化彈性的模組化島檯設計


流動型的藝術品商店空間，過道動線即為機能所在，人們跟隨水流的波浪形式，在其中自由產生各種行為。平面的探索之外，宛如伸展台般的階梯，正好是串連商店與樓上展覽室的有趣途徑。民眾觀展後可以選擇從這裡走下，站在不同的高位視角，欣賞曲折的空間地景。
 
 
 
 
 
 

連續性的島檯以模組化的規劃形式，能被截成一段一段，任意拆解和重新佈局。除了便於製作，主要是希望能保留未來的可變性，將來若想更改樣式，這些島檯就像積木一樣可重新排列組合。不僅如此，島檯帶入人因工學，將機能解構成以高度15公分為基礎單位的疊加量體，穿插配置閱讀書桌、成人與孩童的休憩座位，以及高低不同的陳列平台機能，分別對照使用狀況，設置理想的舒適檯高。

王偉丞進一步分析，由於美術館商店的商品種類多元，從餐具到3C用品，文具、衣服、畫作、複製品畫作、書籍 ...... 幾乎是應有盡有，「這些東西的背景各異，我認為不應該在同一個標準狀態下去陳列。因此我們透過不同材質鋪面，像是金屬、石材、軟布或是木頭的表層感受，襯托適合的商品性格以及實際面的機能使用。」

 
 

以15公分為單位，島檯高度按照不同使用情境，制定貼合人因工學的高度 / Photo: CPD Interiors

 
 

使用材質說明 / Photo: CPD Interiors

 
 
基於心理學的動線考量，若是連續性的路徑太過冗長，容易在行進間產生疲乏感。他刻意於曲型中切斷幾個開口，讓消費者可以直接通到另個區域，空間也更流動一些。走逛的過程，一點也不像在傳統零售店，累了可以稍作休息，坐ㄧ下再繼續看。

 
 
 
 
 
 
 
 

使零售目的無縫融入空間


如何在策展形式的陳列思維裡，同時達成營運面的銷售需求？

針對台灣民眾的偏好習性，王偉丞特別將餐飲吧台移至空間最前端，正對國美館主入口的位置，意圖讓民眾一進來就看到咖啡吧台，還與館方討論，額外在附近增設一些座位。看展的人可以輕鬆點杯咖啡，先休息再準備進去看展，抑或是觀展後出來逛藝術品商店，順便帶杯咖啡在展館歇息片刻。「我們希望民眾進到這裡，感覺不太像是單純的零售空間。他的體驗富含變化性，有點像咖啡廳、有點像書店，看到的是 50% 的消費形貌，而剩下的 50% 則由不同活動所構成的整體印象。」

會有這樣的想法，源自先前的工作經驗，以及他親身歷經實體書從興盛到委靡，大型書空間紛紛因應時代改變經營策略，販售許多商品的過程。就他觀察，「書」已然變成一種帶動商品消費的媒介，而非銷售主體，這也使他反思 —— 或許訪客不一定會買書，但期望藉由看書的氛圍營造，令人沈浸在新舊共存的環境，進而帶動消費欲望。
 
 
 
 

不過王偉丞也坦言，這樣的呈現邏輯，勢必跟傳統的營運認知稍有牴觸。一般消費者期望看見很多商品選擇，擺設的數目須維持一個定量；然而商品量變多時，相對又會跟原有概念出現衝突，得在之間努力找到交集。為此，他們密切地與業主溝通，根據業者提供的銷售數據，作為動線陳列規劃的重要參考。

「我們利用理性數據的分類方式，取得設計操作跟營收需求的重要平衡。島檯上的商品，依照逛街的過程從動到靜編列，先看到的商品是消費主力，漸漸往裡面走，改為消費力稍微弱一點的商品。直到最後，變成提供休息座位跟書桌之處，功用在於引人停留。而複製畫商品本身銷售較為弱勢，便放置到左右兩邊，當作展示牆的觀賞效果。」

 
 
 
 
 
 

「美術館商店的操作是我們很喜愛的案件。它不是公司主要盈利來源，也非媒體曝光需求，而是因為臺灣美術有很多很棒的藝術家，希望能盡上一點推廣心意，所以我們付出極大的熱忱在做這個空間。藉此帶入各式各樣的目的性，讓美術館藝術商店轉化成多功能型的體驗場域，提供民眾一個激發更多互動，創造交流的可能性。」

也許你是因為這間商店慕名而來，走進國美館；也或許你是本質藝術迷，意外被店家吸引過去 —— 那其實都無所謂。重要的是，我們因此有了相聚的契機，儘管來自不同知識領域和生活背景，但我們都可以一起在國美館認識經典，愛上藝術。



* 編訪的同時捎來多則喜訊：國美館藝術商店榮獲「2024 GOOD DESIGN」、「2024 德國紅點設計獎」、「2024 TINTA 金獎」等國內外大獎肯定 🎉🎉🎉

 
 
 
 
國美館藝術商店 地址：台中市西區五權西路一段2號
時間：09：00-17：00 PM; Monday Off
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Text/ ChichiL

 
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