［ 專訪 ］CPD Interiors 王偉丞 — 以未完成的餘韻潤染氛圍與情緒邊界，醞生詩性的空間精神及所有性

 

CPD Interiors 主理人/ 王偉丞

 
 

本質（Essence）的單詞定義，意指一事之所以為其自身的根本特質與核心意義。對於設計而言，本質除了是種形式的探索，更是回歸原初的追問：為什麼這件事物存在？它如何影響人們的感受與行為？而在 CPD Interiors 主理人王偉丞的世界裡，本質即是設計的核心，亦為他對生活、社會與藝術的深層探問。

王偉丞的創作本質，源於他對純粹與情感的追求。自小熱愛繪畫的他提及：「能力不是天生的，可是喜好是天生的」。這份對藝術的純然熱忱，貫穿了他的成長與專業學習，從廣告設計到建築，再到室內設計，他不斷挖掘深處的內省與洞察，並將其轉化為源源不絕的強烈動能。當這些能量匯聚於空間與藝術的創作，總能穿透表象，直抵情感底層，使實體空間形同哲學與藝術共鳴的載體。無論是氛圍的營造，還是藝術品的挑選，王偉丞總保留一份未完成的韻味，將餘地留給觀者感知、摸索與詮釋。因此，你感到既幽靜又充滿生命力。

 
 
 
 

值得一提的是，這份動力並非單純停留在個人的實現，還延伸至社會的關懷與實踐，力圖創造有益的社會價值。本次專訪，我們將隨王偉丞的腳步，探討他如何跨越形式的邊界，以設計為接點，讓藝術、本質與社會價值融為一體，詮釋更多動人心弦的奇思妙想。

 
 
 
 
（以下內文以 W 代稱王偉丞；J 代稱 Jamie）
 
 
源於「社會價值」與「設計本質」的初衷與實踐



Q：對你來說，CPD 的核心價值理念是什麼？哪些特質最能體現這些理念？



W： 剛創業時。我就意識到必須清楚定義我們的核心價值。這個價值觀要源於內心，不違背初衷，並能在未來不斷延續，這樣我們才走得長遠。

我特別重視兩件事：「對社會的價值」與「設計的本質」。無論如何，我們都應該思考設計如何回應社會議題，為環境與人群帶來影響。求學階段的老師曾傳遞一個觀念：不論從事什麼行業，最重要的是對社會有幫助。這句話深深影響我，也成為我設計工作的指引。

另一方面，美醜本就沒有絕對的標準，討論這些東西並非設計的核心。通常我們的執行項目分為兩種類型，一種偏商業性質，以滿足市場需求為主；另一種更側重創作性。而這之中又劃分成兩條路線：一條是美學表達，另一條即是關於本質的探索 —— 我們要針對每個項目提出獨特的觀點，並思考如何將這些觀點回饋給業主，甚至影響更廣泛的社會。

 
 
 
 
 
 

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我常在設計過程反覆自問：這個設計的本質是什麼？

 
 

Q：你現在接洽的案件，基本上有什麼樣的評估和考量？



W： 我很樂於做公眾性與美學推廣相關的項目。創業初期，公司經營需要考慮收益，所以接手的大多是商業取向的項目。但隨著持續發展，我開始反思這樣的方向是否正確。

好像不是。初衷一直都沒忘記，只是有沒有機會去表達。所以現在也開始接受社會性公益委託案，儘管可能盈虧，我仍願意投入。目前其中一件正進行中的案子，就是與無障礙協會合作的國際項目。

我也希望接觸更多能推動美學與教育意義的項目。前年我許願希望能參與一些純美術或有教育意義的策展，沒想到這樣的願望突然就實現了。去年我們接下對我意義深遠的展覽，將於今年與大家見面。

 
 
 
 
 
 

Q：創業初期你就囊括許多大獎，你怎麼看待獎項本身的光環和意義？



W： 參與比賽的初衷對我而言非常清楚：我希望藉由這些獎項，驗證自己的設計邏輯，並了解評審們如何看待我的作品。評審通常會關注作品是否符合社會性、趨勢，以及是否擁有正確的策略，透過他們的視角，我可以確認自己的方向是否正確，或需要進行哪些調整。

還記得在金邸獎（TINTA）頒獎時，趙璽理事長問了一個問題：「你們報獎的目的是什麼？」這個問題我也經常問自己。我的答案是，透過獎項來檢視作品是否反映時代性與社會性，並且在更大的環境中產生影響。當作品獲得認可，帶來一定程度的曝光，這讓更多人有機會接觸到這些理念，甚至受到啟發，開始關注這些方向，逐步提升整體設計生態的深度與廣度。畢竟我也是從其他人作品汲取養分，慢慢改變並成長的。




Q：那麼，你會如何說服新客戶接受更具突破性的設計？



W： 我會先觀察業主特質，如果接受度很高，我們會毫不猶豫提出創新方案。但若他介於保守與開放之間，或難以判斷，我們會準備兩個方案：一個偏保守，另一個更具突破性。

簡報時，通常先呈現保守方案來試探業主反應。如果回應較保守，我們會適時調整策略；但如果他展現出興趣或好奇，我們就會進一步推出第二個較突破的方案。設計師需要具備的不僅是專業技能，還包括業務能力，像簡報的表達技巧、對業主需求的洞察力，以及對接受範圍的判斷。有效與業主溝通，我們才能實踐設計的價值。

 
 
 
 
 
 

最喜歡的材料就在我們腳底下




Q：除了設計，你還有哪些興趣嗜好？這些愛好是否對你工作產生影響？



W： 我很喜歡捏陶、烹飪跟運動。對陶藝的興趣，起源於剛入行時看了一場藝術家吳其錚的展覽。他的作品樸實又真誠，貼近日常生活，深深觸動了我。從那時起，我對陶土便產生濃厚的興趣。有些經濟基礎之後，我開始學習陶藝，並進一步學習自然建築，做土磚、蓋土房子和竹子結構物。這才發現，原來自己最喜歡的材料就在我們的腳底下，也就是「土」壤。

 
 
 
 
 
 

W： 運動也是從學生時期養成的習慣。高中時期，我的生活幾乎只有兩件事——畫畫和打排球。這段經歷讓我至今仍保持運動的嗜好。

我也熱愛旅行，過去我是一個瘋狂的實踐者，很常去歐洲和日本參觀建築。我甚至會做 Excel 表格鉅細靡遺地把所有行程列好。曾經有次，我一口氣從關東到關西，甚至跑到日本離島，把安藤忠雄當時的作品幾乎都跑一遍，就除了北海道實在太遠沒有前往。那時時間有限，我省掉早餐，中餐只吃便利商店的熱狗就一直跑目的地。（不過大多數情況是獨旅，跟朋友一起就不會這麼瘋狂）

 
 

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從小到現在，我其實是不擅長聚焦的人，因為喜歡的東西實在太多了。以前一度覺得這是缺點，但隨著經驗累積慢慢發現，所有領域到了一定的專業，背後的邏輯與核心概念是共通的。某部分來說，反而讓設計有了更多可能

 
 
 
 

Q：這麼多種媒材，為什麼特別鍾情於「土」？



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土是種變化性極強的材料，既能柔軟又能堅硬。在捏陶的過程，包含了內在的精神層面和外在的物理現象兩個層面


W： 精神層面上，陶土創作直接反映了創作者的情緒，每一個筆觸都由手來呈現，帶有強烈的個人印記。以前我曾在士林租了一個空間做陶，有位老師對我說：「你的創作很像在發洩。」的確如此，那時因為都是下班後趕到那裡，時間只有兩個小時，我又急著完成作品，做出的東西通常是很有機、幾乎沒有細節的。

至於物理層面，捏陶的核心在於「水分」的掌握，濕度決定了土的可塑性，就像是持續尋找平衡的過程。伴隨技術逐漸成熟，我漸漸學會跟隨土的狀態放慢，變得平靜和專注。濕度問題有趣的是也延伸到身體感受，接觸陶土，手部會變得很乾，這種材料與身體的密切互動，讓我對「土」產生更深的連結。

 
 
 
 
 
 

從日常到設計的藝術延伸




Q：什麼時候開始將藝術融入作品，逐步轉向偏藝術性的空間設計？



W： 當我看到喜歡並負擔得起的作品，通常都會想收藏，這些藝術品成為生活的一部分，與我的日常共生。而在工作層面，我希望能透過空間設計傳遞藝術的力量。這樣的啟發，主要來自在上一家公司的經歷。當時老闆是位美學涵養極高的人，他以宋代東方美學為主體。宋代是文化蓬勃發展的時期，我在那邊被感染許多，對東方美學也有很大的熱忱，而這種思維亦逐漸滲透入設計。

 
 
 
 

W： 我將藝術品分為兩類：一是以觀點回應時代趨勢，另一類則是表現精神層面的修煉。這兩者不僅反映時代發展，也呈現創作者的內在思考。

在空間，我們關注本質、架構、邏輯、核心以及精神層面的論點。因此我會期望接觸到更多藝術家和作品，並將他們推向市場；在空間融入具有啟發性的藝術品，讓市場透過這種方式與純美術接軌。


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整個時代提升美學，需要從兩個方向著手：一是教育，二是實作。教育方面，已經有許多專業學者在持續扎根；而業界裡的我們工作與美學息息相關，能很直觀地把一些東西分享給合作方，對我來說是很棒的事

 
 
 
 
 
 

Q：哪些藝術品特質會讓你特別想收藏？



W： 實驗及不完整性、情感純粹性和哲學深度。

我特別喜歡事物那種帶有可能不完整性的特質，正因這種不完整，作品保留了探索與延伸的空間，未完成的狀態充滿了潛在的可能性。對我來說，過於完整反而會覺得它失去某種生命力。像是建材桌是實踐大學黃博暄的軟雕塑，就帶有一種迷人的未完成感。

第二，是純粹的情感表達。我偏愛那些沒有被過多的形式包裝，直接傳遞情緒與感受的作品。我學生時代非常喜歡梵谷，他的筆觸和情感表現極為直觀，讓人能強烈感受到內心的波動。我也欣賞非洲的土雕，未經過太多訓練或修飾，用最真實的方式表達一種原始的情感力量。

第三，是精神與哲學層面的深度。比如日本建築師西澤立衛與藝術家內藤禮共同合作的豐島美術館，水滴狀的建築物充滿了詩性與哲學思考，對我來說極具吸引力。

 
 
 
 

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任何作品或事物的表達中都應該包含一點詩性。這種詩性並不是精緻或完美的，而是留有餘韻和未解之謎，能夠讓人反覆咀嚼、思考，甚至重新詮釋它的意義

 
 
 
 

Q：選擇合作的藝術家或藝術品時，你有哪些具體的考量標準？



W： 我通常會回到兩大類型的歸納：一類是純美術的創作，另一類則是帶有啟發性的作品。先從這兩個角度出發，篩選出符合甲方需求的作品，並且分為「定量」與「定性」兩個層面的考慮。

「定量」 是從空間配置的角度出發，決定藝術品應該擺放在哪些位置，以及需要的數量是多少。「定性」 則更注重業主本身對美學的理解程度、偏好的藝術領域，甚至是作品與空間的互動是否能反映個人品味與需求。這些因素都會影響藝術品的選擇方向。




Q：你認為要如何確保藝術品不只是裝飾，而與空間緊密結合，兼具實用性與美學？



W： 藝術品在空間既具有外在的裝飾性，也承載著內向的情感交流。從外在角度來看，它確實可作為空間一部分的文化裝飾元素；站在內向的觀點，藝術品應能引發使用者的共鳴，成為情感的觸發點。

以我們公司辦公室為例，這裡是業主第一個接觸到我們的地方，我在其中置入一些收藏品，作為理念的延伸。

 
 
 
 
牆上這幅作品是某次在藝術沙龍展看到。創作者蔡均侑在生物身上可以找到材料永續的可能性。臺灣人很愛吃豬血糕，可是在生產豬血糕的過程，會有很多廢血廢料。他利用豬血作為材料，透過過濾廢血、加入黏著劑，再用烘焙的方式將其製成一張圖，並透過 3D 列印骨骼來營造有機感，模仿血液細胞的結構。關燈它就是豬血的顏色。
 
 
 
 
 
 
版畫家黃得誠老師的《細雨》與比利時雕塑家 Brebant Robert 的金屬浮雕創作，構成靜與動的對話。

那時我在想，要讓進來的人第一時間對空間的定義是什麼？當人們從外部繁雜的環境進入電梯，踏進這個空間，我希望他們感受到的是謐靜的氛圍；而《細雨》（在玻璃表面做雷射雕刻，讓光通過後變成雨的意象，藉以描繪出紅樹林下雨的樣子）則帶來動態流動感，這種對比與平衡，傳達我對氛圍的期待。另外我對未經修飾的材質有特別偏愛，所以這面金屬牆都是鐵，未加工的質感與上面黑鐵媒材的藝術品相得益彰，像是從鐵中生長出的沈思，挹注真實與內省的態度。
 
 
 
 

J： 如果某個案子想要一件東西，你會把東西放在公司這邊，偷偷幫業主洗腦嗎？


W： 這並不容易，尤其當業主對藝術沒有太多涉獵的時候。不同於藝廊銷售畫作的模式，我們有責任深入了解使用者的個性，確保他們有感，真心喜歡這些作品。所以我通常是先選擇較容易接受的入門款，讓他們產生興趣，再慢慢引導去發展自己的喜好。為了做到這點，我必須持續深入做功課。假如對作品缺少足夠的專業知識，推薦過程也會缺乏說服力。

還有另一種形式，以國家美術館商店的案子舉例，當時我們希望打破傳統零售空間的邏輯，透過策展的角度來營造整體氛圍。正好他們在空間內販售一些授權畫作，我個人非常喜歡江賢二老師的作品，於是特別邀請老師授權，讓他的作品成為空間重要元素之ㄧ，增添這個零售空間展覽體驗般的特性。（延伸閱讀：國美館零售商店）
 
 
 
 
 
 

Q：最後，請推薦幾個你很喜歡的藝術家



⊕ 冰島-丹麥藝術家 Olafur Eliasson（奧拉弗．埃利亞松）
Olafur Eliasson 的作品總是能以光影的變幻創造出多層次的空間體驗，將自然現象與觀者的情感聯繫起來。他在韓國三星美術館的常設展《All the Possibilities of the World》非常值得一看，今年也將在北美館展出過去30年的藝術實踐。


⊕ 台灣藝術家林壽宇
以極簡抽象風格著稱，他的作品多運用純粹的幾何形狀和單色畫面，探索空間與光影，強調「留白」和「空間感」的重要性。體現東方禪意與西方極簡主義的融合，具有高度詩意與哲學深度。


⊕ 美國雕塑家 Richard Serra（理查．塞拉）
以大型雕塑和場域特定裝置文明，使用鋼材創作，作品強調物質性、重力與空間的互動，藉以挑戰觀者感官與身體經驗，並探索人與環境的關係


⊕ 攝影師柯錫杰
柯錫杰老師作品充滿東方思維的意境。像《等待的維納斯》拍攝了地中海的一間房子，他沒有具體呈現維納斯的形象，而是表達想像中的維納斯是什麼，讓觀者去想像和感受這份詩意。

 
 
 
 

採訪｜Jamie Lo ． 編輯｜ChichiL
攝影｜Jamie Lo、Kai Chang
 
 
 
 
 
 
關於攝影師這個稱謂，其實我沒有太多意見，因為這是大家認識的我。但說穿了，我是個喜歡創造的孩子，對創作沒有特愛的工具，卻有特別的熱情。認真起來打拼時有個老靈魂，但對於創新與體驗，永遠像是實驗室裏的小朋友。我想分享我怎麼看我的攝影師工作，以及工作上的點點滴滴。
 
 
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